No es País para Viejos (No Country for Old Men)

Título: No es país para viejos (No Country for Old Men)
Dirección: Ethan Coen y Joel Coen
Actores: Tommy Lee Jones, Javier Bardem, Josh Brolin, Woody Harrelson, Kelly Macdonald

Guión: Joel Coen y Ethan Coen

País: USA

Año: 2007

Duración: 122 min.

Género: Thriller, Road movie

EL RESURGIR DE LOS COHEN


La genialidad es una virtud que sonríe solo a unos pocos y por este motivo hay que tener fe en ellos, incluso cuando estén en caída libre. Es el caso de los hermanos Cohen, que vuelven a recuperar el espíritu de títulos como “Muerte entre las flores” o, sobre todo, “Sangre Fácil”. Las similitudes con esta última son innumerables, pero NCFOM la supera en mucho con una perfecta y medida factura técnica.
La película es un compendio de lo mejor de su filmografía: el ritmo de “Sangre Fácil”, las localizaciones de “Arizona Baby”, la sensación de road movie de “Oh Brother”, la crudeza de “Muerte entre las Flores”, el sutil sentido del humor de “Fargo”…
Los diálogos sientan cátedra. Son innombrables las frases memorables (aunque también los silencios). Como ejemplo, las últimas frases de Tommy Lee Jones al acabar el film contando lo que soñó, o el diálogo entre Woody Harrelson y un pez gordo en el cual el primero le dice que ha subido hasta el último piso contándolos y no le salen las cuentas, por que falta un piso, a lo que éste le contesta “lo indagaré”… ¡¡Bien por los Cohen!!
Las actuaciones de todo el reparto son de manual. Josh Brolin está inmenso (un gran ejemplo de que no hay que sobreactuar para lograr una interpretación), Tommy Lee Jones en su linea de sobriedad, Woddy Harrelson breve pero intenso, y Bardem… Bardem una vez más demostrando que puede llegar a dónde se proponga.
En definitiva, nuestros hermanos preferidos recuperan el crédito ganado con tantas películas y perdido temporalmente con un par de patinazos, perdonables entre tanto ejemplo de buen hacer.


Review por: Kurono

Juno

Título: Juno
Dirección: Jason Reitman
Actores: Ellen Page, Michael Cera, Jennifer Garner, Jason Bateman, Allison Janney, J.K. Simmons, Olivia Thirlby
País: USA
Año: 2007
Duración: 91 min.
Género: Comedia indie




PEQUEÑA MISS JU... ¡¡NO!!


Juno es un manual de cómo hacer una película indie americana. El problema es que es demasiado explícita en sus intenciones, se le ve demasiado el plumero. No se trata simplemente de decir cuatro frases ingeniosas y gastarse cuatro duros, se trata de transmitir algo más.
La influencia de Daniel Clowes es muy evidente (con esos personajes astiados de la sociedad que les rodea), pero hay algo que no acaba de funcionar. Quizás sí para los bobos de la academia de Hollywood, que una vez más van a utilizar un film de este tipo para hacer ese ejercicio de hipocresía que hacen cada varios años, “limpiando” así sus conciencias.
Por supuesto “Juno” tiene sus momentos, y supera con creces la media de los títulos americanos de hoy en día, pero se queda en un intento fallido. Se dice que es la nueva “Pequeña Miss Sunshine”, pero no transmite ni la empatía ni la espontaneidad de esta.
El guión, de la pin-up Diablo Cody, quiere ser mordaz, pero no lo acaba de conseguir. Los diálogos no son tan geniales como pretenden serlo. Se atisba la intención, pero falla la materia prima. Se agradecen las formas, pero cojea el fondo.

Ellen Page está a un buen nivel (ya demostró de lo que es capaz en “Hard Candy”), y el resto del reparto también realiza un buen trabajo, pese al lastre que suponen los clichés de alguno de los personajes.
Respecto a la banda sonora, siempre es un gusto escuchar a Sonic Youth, Belle and Sebastián o Moldy Peaches, pero no a modo de bombardeo. Y es que, por momentos, “Juno” da la sensación de jukebox.


Review por: Kurono

[REC]

Título: [REC]
Directores: Jaume Balagueró, Paco Plaza
Actores: Manuela Velasco, Ferran Terraza, Jorge Serrano, Carlos Lasarte
Año: 2007

País: España

Género: Terror

EL “NUEVO TERROR BARCELONÉS”

Queda inaugurado un nuevo género: el “nuevo terror barcelonés”. O así han catalogado algunos el nuevo film de Jaume Balagueró y Paco Plaza. En cualquier caso, cuando vamos al cine a ver una película de miedo buscamos eso: pasar miedo, y eso [Rec] lo consigue con creces. En un género cada vez más desvirtuado, por fin encontramos un film que acojona, y lo hace de verdad.
Cuando hay que darle palos a nuestro cine (cosa por desgracia bastante habitual), se le dan. Pero cuando hay que aplaudirle, se le debe aplaudir. Y estamos ante un trabajo que merece lo segundo.
Sus directores ya han demostrado anteriormente que dominan el género, con ejemplos como la notable “Los Sin Nombre” de Balagueró (seguramente su mejor film hasta [Rec]) o “El Segundo Nombre” (interesante debut de Plaza).
Con un presupuesto ajustado, Plaza y Balagueró dotan a [Rec] de un nervio y una tensión que ya quisiera para sí su “precursora”, la fallida “The Blair’s Witch Project”, a la cual supera en todos los aspectos con la gorra.
Bajo el formato de falso documental, el film está interpretado por actores desconocidos (otro gran acierto), lo cual contribuye a conseguir grandes cotas de realismo. La única excepción sería la semi-conocida Manuela Velasco (por algunas series televisivas), que borda su papel de reportera cuyo lema sería “el fin justifica los medios”.
Desde el primer momento, [Rec] no nos da ni un respiro en su casi hora y media de metraje (excepto las divertidas entrevistas a los vecinos del rellano), con unos últimos quince minutos de auténtico infarto.

Review por: Kurono

El Orfanato

Dirección: Juan Antonio Bayona
Interpretación: Belén Rueda, Geraldine Chaplin, Fernando Cayo, Roger Príncep
País: España
Año: 2007
Duración: 100 min.
Género: Terror

ESTO-YA-LO-HE-VISTO-ANTES.

Debut de Juan Antonio Bayona en formato long play, apadrinado por Guillermo del Toro, hinchado por ese típico bombo y boca a boca dedicado a algunas películas cada cierto tiempo, que suele preceder casi siempre a pequeñas o grandes decepciones.
Es cierto que el film no desmerece con respecto a las grandes super-producciones americanas del género, que cumple con su cometido, y que es correcto técnicamente en (casi) todos los apartados (el guión es muy flojo): buenas (sin más) interpretaciones, lograda atmósfera y clima de tensión… ¿Y qué más? Pues poco, muy poco.
Pese a sus virtudes, es flagrante la sensación que produce de esto-ya-lo-he-visto-antes: por ejemplo en “El Internado”,”Darkness”, “Frágiles” y, sobre todo, “Los Otros”, con la cual hay incluso un par de planos casi calcados, en los que Belén Kidman (o Nicole Rueda) se asoma tras una puerta y en sus ojos se refleja el horror.
Respecto a su elección para representar al cine español en los Óscar, seguramente se podría decir que es acertada, ya que, no nos engañemos, a los americanos les gustan las cosas sencillitas (que no tiene por que decir de baja calidad) y de factura clasicorra, y “El Orfanato” reúne esos ingredientes.


Review por: Kurono

En la Ciudad de Sylvia

Dirección y guión: José Luis Guerín
Interpretación: Pilar López de Ayala, Xavier Lafitte

País: España / Francia

Año: 2007

Duración: 90 min.

Género: Drama

TRIPLE SALTO MORTAL.

La primera escena de “En la Ciudad de Sylvia” ya es un aviso de lo que está a punto de afrontar el espectador, todo un reto. Fans de “Piratas del Caribe”, abstenerse.
Guerín no es un cineasta de medias tintas, ni que haga concesiones. Ya quedaba claro en “Tren de sombras” o “En Construcción”, pero en este caso la austeridad y el minimalismo se multiplican hasta el infinito. El autor desnuda su obra de todo artificio y nos muestra la vida tal como es.
Rodado en Estrasburgo, el film nos sitúa ante el personaje de Xavier Lafitte, o mejor dicho ante su mirada, a la búsqueda de un antiguo amor que persigue por las calles de la ciudad.
El director filma la acción con un deliverado distanciamiento, ya que el objetivo no es que nos identifiquemos con el “voyeur”, sino mostrarnos lo que sus ojos ven. A partir de aquí, la Belleza. La Belleza de las imágenes y también de los sonidos. La riqueza sonora es magistral. Nuestros sentidos tienen más protagonismo que nunca y, sin duda, debemos tomar partido para sacarle todo el jugo al film o para aborrecerlo si no lo hacemos.
La actuación de Lafitte es impecable, y Pilar López de Ayala está deliciosa. Su delicada voz, los juegos de miradas, una sonrisa, el viento, los tranvías, una mujer comprando el pan… Todo se ensambla a la perfección para construir un puzzle que a simple vista puede parecer poco trabajado y es todo lo contrario.
Veo hasta lógico y razonable que haya cierto reparo a catalogar de obra maestra a films contemporáneos, pero no tengo ninguna duda que en futuro “En la Ciudad de Sylvia” será, por méritos propios, película de referencia y de culto.

Review por: Kurono

Caótica Ana

Dirección y guión: Julio Medem
Interpretación: Manuela Vellés, Charlotte Rampling, Bebe, Asier Newman, Nicolas Cazalé, Raúl Peña, Gerrit Graham, Matthias Habich, Lluís Homar

País: España

Año: 2007

Duración: 119 min.

Género: Drama

MISMAS FORMAS, DIFERENTE FONDO.

Muchos palos ha recibido injustamente Julio Médem en su regreso al cine de ficción. Pese a que el film da cierta sensación de tramposa y por momentos un poco hueca, no puedo evitar sentir más que debilidad por lo directores valientes, que arriesgan, y que sobre todo pueden presumir de tener un lenguaje-estilo propio e inconfundible. Es el caso de Erice, Guerín, Almodóvar, y también de Médem.
Varios escalones por debajo de “Vacas”, “La Ardilla Roja”, “Lucía y el Sexo” o incluso “Tierra”, “Caótica Ana” no es su mejor trabajo, pero siguen presentes sus signos de identidad: amores de proporciones épicas o diálogos realmente densos, que convierten al film en un nuevo salto al vacío.
En el apartado artístico, destaca el impecable trabajo de la debutante Manuela Vellés. Bebe también está a un buen nivel, pero su personaje es un poco plano y su manera de comportarse y hablar un poco previsible. Tampoco ayuda algún personaje secundario, como el joven hipnotizador, con ese acento que tira para atrás. Y como no, ahí está Geraldine Chaplin, que está hasta en la sopa.
De todos modos, a pesar de algunos fallos ya comentados, me sigue pareciendo admirable la capacidad de Médem para crear personajes profundos, diálogos muy elaborados y situaciones cotidianas y mágicas a la vez.
Utilizando diversos soportes, como el vídeo la música y la pintura, el cineasta construye un collage a veces demasiado confuso (“gracias” al excesivo desdoblamiento de personalidades de Ana), a veces conmovedor (con grandes escenas como el prólogo de la metáfora de las aves o algunas hermosas imágenes en Ibiza, que recuerdan a “Lucía y el Sexo”) que, una vez más, no dejan indiferente a nadie, lo cual en los tiempos que corren no es poco.

Review por: Kurono

Death Proof

Dirección y guión: Quentin Tarantino
Interpretación: Kurt Russell, Sydney Tamiia Poitier, Rosario Dawson, Vanessa Ferlito, Jordan Ladd, Rose McGowan, Tracie Thoms, Mary Elizabeth Winstead, Zoë Bell

País: USA

Año: 2007

Duración: 113 min.

Género: Homenaje a Serie B / Acción

DIÁLOGOS DE BESUGO.

Vaya por delante que me declaro admirador de Tarantino, pero creo que estamos ante la decepción del año.
Este homenaje a los films de serie B, concebida junto con “Planet Terror” (la otra mitad de “Grindhouse”) de Robert Rodríguez (la cual no merece ni el más mínimo comentario) como una especie de (fallida) doble sesión de gamberradas elevadas al cubo, supone un claro paso atrás en el cine del genio de Tennessee.
Vayamos primero por sus virtudes. Como todos los films de Tarantino, “Death Proof” es visualmente poderosa. El director combina imágenes impactantes y chicas guapas con una excepcional fotografía. Una vez más (como en “Kill Bill” o “Pulp Fiction”), los colores se multiplican por mil (amarillos, negros, rojos) y le dan al film una fuerza estética y una belleza realmente a destacar.
Además, hay escenas realmente brutales (como la del accidente que cierra la primera parte del film) y las persecuciones de coches son de las mejorcitas que se pueden ver en el cine actual (y no actual). También es acertada la interpretación de un inspirado Kart Russell (ya conocemos la debilidad del cineasta por recuperar a actores semi-retirados).
La banda sonora estaría en tierra de nadie: está a un buen nivel, pero por debajo de ocasiones anteriores.
Y ahora vayamos por los defectos (que son pocos pero por desgracia tienen mucho más peso que los aciertos). O mejor dicho, el Defecto: los diálogos. Arma poderosa en cualquiera de sus anteriores films, en este caso son un auténtico lastre.

Los diálogos del film son groseros por que sí. Donde antes una palabrota tenía gracia, ahora rechina. Donde antes un personaje soltaba una frase lapidaria, ahora suelta una gilipollez. Soy partidario de las palabrotas en las películas, por que en la vida real decimos palabrotas. Pero todo tiene su momento y lugar, no debe ser gratuito.
Las chicas escupen frases estúpidas sin parar y ríen exageradamente por cualquier bobada. Especialmente en la primera media hora del film, que resulta absolutamente insoportable y parece una mala imitación del cine del maestro.
En resumen, patinazo de dimensiones gigantescas del que seguramente sea el mejor director que ha dado el cine en los últimos, y que seguro que en el futuro nos volverá a ofrecer clases magistrales de Cine con mayúsculas.

Review por: Kurono

María Antonieta

Dirección: Sofia Coppola
Interpretación: Kirsten Dunst, Jason Schwartzman, Rip Torn, Judy Davis, Asia Argento, Marianne Faithfull
Países: USA - Francia
Año: 2007
Duración: 123 min.
Género: Histórica






LA SOMBRA DE LOST IN TRANSLATION ES LARGA, MUY LARGA...


Sofia Coppola filma “a su manera” (tanto en la forma como en el fondo) parte de la vida de este personaje histórico, con un resultado bastante irregular (al menos, teniendo en cuenta las expectativas levantadas tras sus dos grandes primeras películas).
“María Antonieta” empieza muy bien, con una primera media hora impecable, en la que se nos muestra la adaptación de la futura reina a las tradiciones francesas (algunas de ellas realmente ridículas).
Pero el ritmo y el nivel general va descendiendo con el metraje del film, habiendo tramos realmente lentos e incluso aburridos (como las escenas de cama o de las comidas, que se hacen repetitivas hasta el bostezo), antes de llegar a un final precioso (un gran acierto acabar la película de una manera tan romántica y no con el final que todos ya hubieran sabido).

Técnicamente, la película está muy lograda, con unos encuadres de gran belleza, aderezados con un vestuario acertadísimo y unos paisajes de los alrededores de palacio preciosos (hay un par de escenas de puestas de sol realmente hermosas).
Pero quizás el tema más polémico del film es, seguramente, su mejor baza: su banda sonora. Una vez más Coppola recurre a grandes bandas de rock para hacer de contrapunto a imágenes clásicas, y le vuelve a funcionar a la perfección. El momento más mágico del film es, quizás, el momento en que la reina y sus amigos ven amanecer con “Ceremony” de los New Order de fondo. También se agradecen las notas de grupos como Cure o The Strokes.
Pero, a pesar de la gran banda sonora y de otros aciertos parciales (sobre todo en el aspecto visual), el guión del film flojea bastante, y no se libra de cierta sensación de vacío y, sobre todo, de esa sensación de ñoño que planea sobre los films de Coppola.
En resumen: aprobado, pero esperábamos más.


Review por: Kurono

Pequeña Miss Sunshine

Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris
Interpretación: Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Paul Dano, Abigail Breslin, Alan Arkin
País: USA
Año: 2006
Duración: 101 min.
Género: Comedia dramática

PEQUEÑAS COSAS BIEN DISPUESTAS.

Pequeña Gran película sobre personas de carne y hueso, mezcla de géneros (comedia, drama, road movie), que basa su triunfo en la sencillez y consigue que salgas del cine con una sonrisa en tu cara, y te lleves un pedazo de cada uno de los personajes grabado en un rinconcito de tu cabeza.
Todos y cada uno de ellos son entrañables por diferentes motivos, pero por uno en común, su cercanía. Como fracasados que son, todos podrían formar parte de cualquiera de nuestras familias, de nuestro mismo entorno, y eso hace que acabemos queriéndolos sin remisión.
Las situaciones en las que se ve envuelta la familia Hoover son hilarantes, y están contadas en un tono desenfadado, apoyado por unos diálogos brutales (algunas frases del abuelo son impagables).
El viaje de una familia de perdedores por media América por el sueño de una niña de presentarse a un concurso de belleza será a la vez una desternillante comedia y una mordaz crítica al podrido y superficial sistema de valores americano.
“Pequeña Miss Sunshine” no es una obra maestra, pero es divertida, es vital y es, en definitiva, deliciosa. Sin duda, uno de los highlights del año.

Review por: Kurono

United 93

Dirección y guión: Paul Greengrass
Interpretación: Becky London, Cheyenne Jackson, Chip Zien, Chloe Sirene, Christian Clemenson
Países: USA, Francia y Reino Unido
Año: 2006
Duración: 91 min.
Género: Drama








CÓMO ABURRIR Y EMOCIONAR A PARTES IGUALES.


Una vez planteada la duda de si se hacen estas películas por que son temas candentes y de actualidad o si se hacen aprovechando el tirón para sacar tajada (seguramente siempre hay de ambas cosas), me dispongo a ver “United 93” con pocas esperanzas (“gracias” a los precedentes).
Paul Greengrass empieza por tomar una decisión muy acertada: escoger a actores desconocidos, lo cual es un gran acierto cuando se trata de contarnos una historia basada en hechos reales, y más una tragedia de tal envergadura.
El resultado es un film realmente verosímil, narrado en un tono sobrio, alejado de tópicos y patriotismos baratos tan manidos en el cine americano del género.
El gran problema de “United 93” es su ritmo, demasiado lento (el film tarda mucho en arrancar), y el exceso de escenas en la cabina de mandos del aeropuerto, las cuales caen con facilidad en el tedio, en contraposición con las efectivas escenas del avión (y preámbulos), rodadas con mucho acierto y tensión. Los actores colaboran y mucho en esta tensión, con un trabajo impecable, como por ejemplo los terroristas, con unas actuaciones en su justa medida.
El film va in crecendo, ganando interés y fuerza dramática con el metraje, conforme se acerca el terrible final, el cual logra unas cuotas de realismo, emoción e intensidad brutal, como pocos en la última década. Lástima que el resto de la película no esté a la misma altura.


Review por: Kurono

Clerks 2

Dirección y guión: Kevin Smith
Interpretación: Brian O'Halloran, Jeff Anderson, Rosario Dawson, Jason Mewes, Trevor Ferhman, Jennifer Schwalback, Kevin Smith, Jason Lee

País: USA

Año: 2006

Duración: 97 min.

Género: Comedia

¿ REGRESO A LOS ORÍGENES ?

Qué lejos quedan aquellos días en los que flipamos con el sorpresón que supuso “Clerks”. Kevin Smith se descubrió como la nueva esperanza del cine indie americano, como una especie de Tarantino pero en clave de humor. Diálogos frescos, punzantes e irreverentes. Personajes divertidos y carismáticos. Todo apuntaba a muchas futuras alegrías.
Doce años después llega esta secuela, que poco tiene que ver con aquella perla en blanco y negro. Smith ha perdido la frescura, su subida a los a los altares del cine americano le ha ablandado y, lo que es peor, ha sobre-explotado las virtudes que tenía hasta convertirlas casi en defectos.
Kevin Smith se ha hecho mayor y no le ha sentado bien. No encuentra la manera de reinventarse, y a estas alturas, debería saber ya que esas historias románticas que se empecina meter con calzador no tienen lugar dentro de sus proyectos gamberros, o como mínimo que no los sabe filmar (mejor no recordemos la mega-mierda que fue “Jersey Girl”).
En el fondo, “Clerks 2” es bastante divertida, fácil de ver y tiene sus momentos (como la divertida discusión Star Wars vs. El Señor de los Anillos), y tras sus últimos fiascos (“Dogma”, “Jay y Bob el silencioso contraatacan” o la ya comentada “Jersey Girl”) supone una recuperación de Smith, que esperamos no se quede aquí.


Review por: Kurono

La Felicidad de los Katakuris

Dirección: Takashi Miike
Interpretación: Kenji Sawada, Keiko Matsuzaka, Shinji Takeda, Naomi Nishida
País: Japón
Año: 2001 (estrenada en España en 2006)
Duración: 113 min.
Género: Musical friki



MIIKE, ¿ POR QUÉ ERES TAN FRIKI ?


Nueva frikada de Miike, para el visionado de la cual hay que estar mentalmente preparado, incluso aunque se hayan visto previamente otras de sus películas.
“La Felicidad de los Katakuri” es una original comedia-friki-musical sobre una familia que decide montar un pequeño hotel, cerca del cual debe pasar una carretera que les traerá montones de turistas, pero la cual nunca llega. Al llegar el primer turista la familia ve un rayo de luz, pero su suicidio en el hotel hará que se vean obligados a enterrar su cuerpo para no ganarse una mala reputación. A partir de ahí, se desencadenarán los sucesos más surrealistas.
El film incluye escenas super frikis como la inicial (hecha con muñecos de plastelina) y gags musicales muy divertidos (especial atención al de dicho suicidio), de los cuales bebe directamente otra frikada como es “El Sabor de la Sandía”.
Hay que entender la película como lo que es, un experimento, con deliveradas sobre-actuaciones, situaciones hilarantes que desbordan un humor negro que solo puede aportar un director japonés transgesor sin prejuicios como es Miike.
“La Felicidad de los Katakuri” es la antítesis de la crudísima “Visitor Q” (ojo con la crueldad y dureza de este film, recomendable al cien por cien si se tiene el estómago suficiente). Mientras la primera es una visión optimista y alegre de una familia unida pese a las adversidades, la segunda es todo lo contrario: apocalíptica y aberrante representación de una familia rota y desestructurada.
Pese a momentos brillantes, hay que reconocer que el excesivo metraje (casi dos horas) y el ritmo lento de algunos momentos hacen perder intensidad al film, el cual tiene demasiados altibajos (realmente altos y realmente bajos). Una montaña rusa, en todos los sentidos…


Review por: Kurono

Volver

Dirección y guión: Pedro Almodóvar
Interpretación: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave
País: España
Año: 2006
Duración: 110 min.
Género: Comedia dramática

VOLVER ... A SER DESPRECIADO.

Pese a que se ha ganado un poco a pulso algunas críticas en que se le achaca el hecho de que “siempre hace lo mismo”, lo que no se puede negar es que, lo mismo o no lo mismo, lo hace de puta madre. Pero no, ahora resulta que el nuevo “genio” del cine español es Amenábar y que hay una corriente anti-Almodóvar vete tú a saber por qué. Bueno, en realidad es fácil saberlo: por lo mismo que la gente va al cine a ver “Spiderman 7” y no cine de autor.
Pues yo aplaudo una vez más a Almodóvar, qué cojones. Tras el paso atrás que resultó “La Mala Educación”, el genio manchego vuelve por sus fueros con otra película coral de mujeres, y qué mujeres… Espectaculares todas, desde la recuperada Carmen Maura a la impresionante Blanca Portillo. Pero ojo con la Pe. Capaz de hacer las mierdas más monumentales en Hollywood, hay que reconocerle que está inmensa en el papel de la Raimunda. Al más puro estilo Anna Magnani, lo borda en un papel hecho a su medida.
El cineasta nos vuelve a regalar planos de antología, un humor inimitable y unas situaciones tan cercanas que molesta reconocerlo.
Sólo un pero, el demencial play-back que hace la Cruz del tema “Volver”. Forzado, hubiera quedado mucho más natural, o mejor dicho, natural si hubiera cantado ella mismo. Imperdonable. Y es que Estrella Morente solo hay una.


Review por: Kurono

Hard Candy

Dirección: David Slade
Interpretación: Patrick Wilson, Ellen Page
País: USA
Año: 2006
Duración: 103 min.
Género: Thriller psicológico



SÍ, PERO NO.



Ganadora por sorpresa del mejor film en Sitges, este auténtico tour de force es el típico ejemplo de que con pocos medios pero con las ideas muy claras se pueden lograr buenos resultados.
Narrada con un gran sentido del ritmo, mucha intensidad y una cámara que casi se mete dentro de los personajes, “Hard Candy” es una de las sorpresas de la temporada. No es fácil mantener el interés del espectador con solo dos actores y una casa, y justo es reconocéselo al debutante David Slade. Los dos actores están espléndidos, pero especialmente Ellen Page, en el papel de caperucita justiciera.


De todos modos, es innegable que, en algunas ocasiones, los actores tienen reacciones poco verosímiles, y que la película va de más a menos, y que de un principio realmente prometedor, pese a las grandes interpretaciones y al intenso ritmo que impone Slade (es palpable que había hecho videoclips antes), se pasa a una segunda parte más, digamos, correcta, que nos deja un sabor en la boca de está-bien-pero-podía-haber-sido-la-bomba. Lástima.


Review por: Kurono

Hostel

Dirección y guión: Eli Roth
Interpretación: Jay Hernandez (Paxton), Derek Richardson (Josh)
País: USA
Año: 2006
Duración: 95 min.
Género: Terror




HOSTAL ROYAL MANZANARES.



No es noticia que Quentin Tarantino es un cineasta genial, con un don innato para hacer cine con Mayúsculas. Pero tampoco lo es que como productor no da ni una. Tras otros fiascos producidos por el director, llega este engendro, americanada, cutrada y todos los adjetivos que le quieran poner.
Hostel es la típica película que cuando se estrena corre de boca en boca por las presuntas escenas de gore, teóricamente cruentas e hiper realistas, que finalmente resultan ser escenas casposas, en la línea del cine de "terror" norteamericano actual: un par de tetillas por aquí, un chiste facilón por allí...



Si bien el argumento y punto de partida podría tener su gracia, en cuanto empiezan a hablar los personajes se empieza a intuir el bodrio que estamos a punto de comernos. Los interpretaciones son escandalosamente malas, la imagen que se da de Eslovaquia es indignante y las escenas "gore" dan risa de lo ridículas y "light" que son. Mucho ruido y pocas nueces.

En resumen, una mierda mayúscula.






Review por: Kurono

Match Point

Dirección y guión: Woody Allen

Interpretación: Jonathan Rhys Meyers, Matthew Goode, Emily Mortimer, Scarlett Johansson
País: Reino Unido

Año: 2005

Duración: 123 min.

Género: Drama.

JUEGO, SET Y PARTIDO.

Debo reconocer que había perdido casi definitivamente la esperanza de volver a ver un Woody Allen en estado de gracia, tras los fiascos de los últimos años (“Granujas de Medio Pelo”, “Todo lo Demás) o “Celebrity” por poner algún ejemplo), pero Match Point supone la reconciliación con el mejor Allen, para disfrute de todos los amantes del buen cine.
De todos modos, no deja de ser también la confirmación de que Allen quizás haya perdido frescura para las comedias, pero sigue manteniendo el pulso a los dramas, pese a que siempre se ha sentido más cómodo con las primeras.

Match Point es una película redonda de principio a fin. No solo por su estructura, sino por su perfección. Actuaciones memorables como la del debutante Jonathan Rhys Meyers, Emily Mortimer o la espectacular Scarlett Johannson, que sigue su particular camino a la inmortalidad (no sólo tiene todas las características de las grandes divas del cine, sino que está empezando a elegir grandes papeles). Woody se ha rodeado de un elenco de actores británicos desconocidos para el gran público, pero que cumplen con creces.
La película está llena de frases para el recuerdo, y miradas igual de poderosas. Pero lo que más destaca es un cierto sabor al retorno de muchos de los temas clásicos en su cine, que parecía había olvidado, como el sentimiento de culpa, la infidelidad o la muerte, que nos recuerdan por momentos a otras obras cumbre del neoyorkino (“Delitos y faltas”, “Otra Mujer”) y de otros clásicos com Bergman (“Secretos de un Matrimonio”) o Hitchcock (“Crimen Perfecto”).
El final, con la metáfora de la bola de tenis representando que la suerte es lo que acaba por decantar la vida de las personas (por encima del talento o el esfuerzo), es el broche de oro a dos horas de lección magistral de cómo hacer Cine.

Bienvenido de nuevo, añorado Woody.


Review por: Kurono

Old Boy

Dirección: Park Chan-wook

Interpretación: Choi Min-sik (Oh Dae-su), Woo Ji-tae (Lee Woo-jin)
País: Corea del Sur

Año: 2005

Duración: 120 min.

Género: Thriller

CARNE DE REMAKE.

Ganadora con todo merecimiento en los festivales de Cannes (Premio del Jurado) y Sitges (Mejor Película), llega la obra cumbre de Park Chan-wook. Tras la crudísima “Sympathy for Mr. Vengeance” el coreano nos regala un tour de force igual de crudo que su precedente, pero salpicado por constantes chispas de humor negro y con un ritmo e intensidad ejemplares, dignos del propio Tarantino (muchos son los puntos en común con Kill Bill). Y es que el cine coreano está claramente al alza, con nombres como Park Chan-wook o Kim Ki-Duk.
Estéticamente, reúne todas las virtudes del cine de Hollywood, con una fotografía impecable, un montaje magistral, una banda sonora muy acertada y constantes giros que harán que nos sintamos inmersos en la odisea de su carismático protagonista, Oh Dae-su.

Apuesto un brazo a que dentro de un tiempo veremos un remake mierdoso americano, protagonizado por Nicolas Cage o John Travolta.
Park Chan-wook nos regala algunas escenas de las que permanecerán por mucho tiempo en la memoria, dos horas del mejor video-clip posible.
Old Boy es emocionante, Old Boy es cruda, Old Boy es intensa, Old Boy es hermosa,

Old Boy es B R U T A L.



Review por: Kurono

Million Dollar Baby

Dirección: Clint Eastwood
Interpretación: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman
País: USA
Año: 2005
Duración: 137 min.
Género: Drama

AND THE OSCAR GOES TO ...

En una sociedad agilipollada por lo que toca ir a ver, lo que toca ser y lo que toca escuchar, en estos tiempos toca admirar los films de directores como Clint Eastwood. Cuando Hollywood se deja millonadas en promocionar sus bazofias y cuando reina el borreguismo, las “películas” prefabricadas para ganar Oscars tienen el éxito asegurado. En otras palabras, estamos ante otro ejemplo de un sobrevalorado film de un sobrevalorado director.
No digo que Million Dollar Baby no sea una buena película, que lo es. Pero seamos honestos y reconozcamos que no hay para tanto. Hay una corriente generalizada en los últimos años de mitificar películas correctas en lo formal, en las cuales veo a Clint Eastwood el máximo representante: desde “Los Puentes de Madison” hasta la más reciente “Mystic River” (la cual basaba su mayor éxito en un grandísima labor interpretativa). Precisamente la película más atrevida y valiente de Eastwood, “Medianoche en el jardín del bien y del mal” es la que más desapercibida ha pasado. Y es que ya se sabe, “yo ya llevo todo el día trabando como para entrar en un cine y ponerme a pensar…”.
Centrándonos en MDB, hay que reconocer que goza de una sobriedad narrativa fuera de toda discusión (la mayor de las virtudes del Eastwood director, el cual domina los tiempos con maestría). Los actores están sencillamente brillantes (incluida la también sobrevalorada Hilary Swank, la cual también está de moda). Eastwood también raya a un buen nivel, con una actuación muy comedida. Y Morgan Freeman excelente, como siempre.
Quizás el final roza un poco lo sensiblero, pero en líneas generales MDB es un film de la alta escuela americana reciente. Lástima de ese olor (o mejor dicho “tufo”) insoportable que desprende a Oscar...


Review por: Kurono

Llamada Perdida

Dirección: Takashi Miike

Interpretación: Kou Shibasaki (Yumi Nakamura), Shinichi Tsutsumi (Hiroshi Yamashita).

Año: 2005
Duración: 112 min.

País: Japón

Género: Terror

IDENTIDAD PERDIDA.

Esperadísima primera incursión del polifacético Takashi Miike en el cine de terror psicológico, tan manido últimamente, que decepciona bastante. No por su calidad, que está, cuando menos, en la media en lo que respecta a las últimas cintas de este género y no tiene nada que envidiar a otros films similares como “La Maldición”, “The Eye”, “Dark Water” o “The Ring”, sino por lo que siempre se espera del genial Miike. Pese a todo, hay que reconocer que tiene sus momentos de acierto, como el del programa de televisión o el del hospital, en los cuales consigue momentos de tensión bastante notables.
One Missed Call cumple perfectamente con su cometido: mantiene al espectador en tensión durante buena parte del metraje, y se podría catalogar como correcta, pero peca de convencional y poco arriesgada, ya que estamos hablando del autor de bombas de relojería como “Ichi the Killer”, “Visitor Q”, “Audition” o “Gozu”, las cuales ha hecho famoso a Miike por todo lo contrario: no respetar absolutamente ningún tabú, incomodar al espectador hasta llegar a lo desagradable…
De todos modos, Llamada perdida tiene todos los ingredientes para ser carne de remake hollywoodiense, y si no, al tiempo…
En resumen, película menor dentro del catálogo de Miike, que no pasará precisamente a la historia, pero con la que aprovecho para reivindicar a este gran director y recomendar a los profanos que se adentren en su mundo y flipen con sus pelis de yakuzas, que no dejarán indiferente a nadie.

Review por: Kurono

Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera

Director: Kim Ki-Duk
Actores: Oh Young-Su, Kim Young-Min, Seo Jae-Kiung, Ha Yeo-Jin, Kim Ki-Duk
Año: 2004
Duración: 103 m.
País: Corea del Sur / Alemania
Género: Drama



ENTRE LA POESÍA Y LA TORPEZA.

Kim Ki-duk se ha convertido en el director coreano actual más respetado desde su polémica “La Isla”. A punto de llegarnos las esperadas “Samaritan Girl” y “Hierro 3” ya podemos ver “Primavera, Verano, …”, un cuento que narra la relación de un monje budista y su discípulo.
Estructurado en capítulos relacionados con las estaciones del año, pero basado además en las diferentes etapas de la vida del discípulo, empezando de niño hasta llegar a ser el nuevo maestro (interpretado por el propio Ki-duk).
El film es, por tanto, una metáfora sobre el aprendizaje de la vida. Desde el descubrimiento del amor (y el sexo), el odio, la lealtad, hasta la la madurez.
Belleza en el plano emocional, pero más aún en el estético. Con unos encuadres majestuosos y una fotografía espectacular. Todo ello con momentos para el humor y sobre todo la emoción, pero contado con ese ritmo reposado propio del cine asiático.

Pero no es oro todo lo que reluce, ya que pese a todas estas virtudes (que no son pocas) hay que poner un pero, y es que el director nos lo da demasiado masticado. Las situaciones son harto explícitas (no hace falta que cada vez que sucede alfo fuera del templo tengamos que tragarnos la ida y vuelta de la barca). Narrativamente el film está demasiado encorsetado, y las diversas moralejas del film se muestran de manera extremadamente evidente. Es como si el cuento fuera para niños y no para adultos.
De todos modos solo por la belleza visual y metafórica “Primavera, Verano, …” vale la pena. Si bien es una lástima, por que Ki-duk desaprovecha la oportunidad de concebir una obra maestra por su torpeza al narrar la historia.



Review por: Kurono