MEJORES PELÍCULAS 2004

1. LOST IN TRANSLATION
2. ZATOICHI
3. KILL BILL No. 1
4. 2046
5. EL TIEMPO DEL LOBO

Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera

Director: Kim Ki-Duk
Actores: Oh Young-Su, Kim Young-Min, Seo Jae-Kiung, Ha Yeo-Jin, Kim Ki-Duk
Año: 2004
Duración: 103 m.
País: Corea del Sur / Alemania
Género: Drama



ENTRE LA POESÍA Y LA TORPEZA.

Kim Ki-duk se ha convertido en el director coreano actual más respetado desde su polémica “La Isla”. A punto de llegarnos las esperadas “Samaritan Girl” y “Hierro 3” ya podemos ver “Primavera, Verano, …”, un cuento que narra la relación de un monje budista y su discípulo.
Estructurado en capítulos relacionados con las estaciones del año, pero basado además en las diferentes etapas de la vida del discípulo, empezando de niño hasta llegar a ser el nuevo maestro (interpretado por el propio Ki-duk).
El film es, por tanto, una metáfora sobre el aprendizaje de la vida. Desde el descubrimiento del amor (y el sexo), el odio, la lealtad, hasta la la madurez.
Belleza en el plano emocional, pero más aún en el estético. Con unos encuadres majestuosos y una fotografía espectacular. Todo ello con momentos para el humor y sobre todo la emoción, pero contado con ese ritmo reposado propio del cine asiático.

Pero no es oro todo lo que reluce, ya que pese a todas estas virtudes (que no son pocas) hay que poner un pero, y es que el director nos lo da demasiado masticado. Las situaciones son harto explícitas (no hace falta que cada vez que sucede alfo fuera del templo tengamos que tragarnos la ida y vuelta de la barca). Narrativamente el film está demasiado encorsetado, y las diversas moralejas del film se muestran de manera extremadamente evidente. Es como si el cuento fuera para niños y no para adultos.
De todos modos solo por la belleza visual y metafórica “Primavera, Verano, …” vale la pena. Si bien es una lástima, por que Ki-duk desaprovecha la oportunidad de concebir una obra maestra por su torpeza al narrar la historia.



Review por: Kurono

Dos Hermanas (A Tale of Two Sisters)

Director: Ji-woon Kim
Actores: Kap-su Kim, Jung-ah Yum, Su-jeong Lim, Geun-yeong-Mun
Año: 2004
Duración: 115 m.
País: Korea del Sur
Género: Terror




DEMASIADA AMBIGUEDAD.

Algo está pasando con el cine coreano en los últimos años que hace que su presencia en los festivales de todo el mundo sea casi ineludible. Y es algo muy evidente: su calidad. A interesantes títulos como la impactante “Old Boy” (que pronto llegará a nuestras salas), o los últimos films de Kim Ki-duk (“La Isla” “Primavera, Verano…”) hay que añadir un nuevo título: “A Tale of Two Sisters”.
Kim Jee-Woon se estrena con esta cinta de terror psicológico que bebe directamente de otros films asiáticos del género: “The Ring”, “The Grudge”, “The Eye” o “Dark Water”. “Dos hermanas” no llega al nivel de estas, pero tiene algunas cositas.
Empecemos con sus virtudes. Destaca una excelente fotografía (basada casi únicamente en interiores). El realizador juega con los colores (las paredes verdes, el intenso rojo de los labios de la madrastra, la oscuridad de la casa…) para conseguir una ambientación muy lograda que ayudará a mantener en tensión al espectador.
Tanto las dos hijas como la madrastra interpretan su papel de una forma más que correcta. Otra cosa es el padre, más inexpresivo que Charlton Heston, que es incapaz de mostrar una cara verosímil en toda la película.


Como puntos negativos, destacan dos errores bastante graves a mi entender. El primero es un ritmo demasiado lento para ser un film de terror. Tarda demasiado en arrancar.
El segundo es su excesiva ambigüedad. Pese que al final se van descubriendo cosas con flash backs y una especie de epílogo, da la sensación de que el director no ha sabido como acabar el film, y que en su afán de querer darle un toque lynchiano se ha metido en un jardín del que ha salido como ha podido.
Además, ha querido mezclar dos “focos del mal” que no pegan entre sí: o la mala es la madrastra o es la casa encantada, pero ambas son ganas de liarla. Ya se sabe que quien mucho abarca…



Review por: Kurono

PRÓXIMAMENTE

PRÓXIMAMENTE

Mar Adentro

Director: Alejandro Amenábar
Actores: Javier Bardem, Belén Rueda, Lola Dueñas, Mavel Ribera
Año: 2004
Duración: 125 m.
País: España
Género: Drama lagrimero

SI NO SABES, ¿ PA QUÉ TE METES ?

Cuarta película de Amenábar, que lo consolida aún más tanto nacional como internacionalmente, y que con los dos premios cosechados en Venecia toma impulso en la carrera por los Oscars.
En el apartado artístico, cabe destacar la excelente elección de actores. Todos y cada uno de ellos están impecables, especialmente los familiares de Ramón Sanpedro (el hermano y la cuñada lo bordan).
Mención aparte merece Javier Bardem. Actuación galáctica (otra más) del mejor actor español con diferencia (a años luz de algún otro que anda haciendo bodrios por Hollywood). Hace unos años parecía que podría quedar encasillado en papeles de macho ibérico, pero tras “Antes que anochezca” y ahora “Mar adentro” demuestra que es un todo terreno, un monstruo que puede con el papel que quiera. Además, su caracterización en Mar adentro es de sobresaliente. Tanto el parecido físico como la forma de hablar o gesticular hace que creamos que estamos viendo al propio Sampedro. Chapó.
Pero todo se estropea (o casi) con un uso de la banda sonora muy desafortunado (por no decir deleznable), abusando de la música celta para tocar la fibra, o de unas secuencias de vuelos imaginarios de Sampedro muy “a la americana”. Especialmente grave es lo primero, ya que si no fuera por el mal uso de la música estaríamos ante un resultado superior, pero estamos hablando de Amenábar, no de Tabernier, así que tampoco le pidamos peras al olmo.
En resumen, Mar adentro es una película políticamente correcta en lo formal: drama lagrimero con momentos para la risa, sazonado por una banda sonora empalagosa, lo cual no quita que el resultado final sea correcto. Actuaciones muy destacables, momentos divertidos (como la visita del cura tetrapléjico) y otros emocionantes.

Review por: Kurono

El Tiempo del Lobo

Director: Michael Haneke
Actores: Isabelle Huppert, Béatrice Dalle, Patrice Chéreau, Rona Hartner, Maurice Bénichou.
Año: 2004
Duración: 110 m.
País: Francia
Género: Drama

EL TIEMPO DE HANEKE.

Michael Haneke es uno de esos directores que no deja indiferente a nadie, de esos que se odian o se aman. Yo me incluyo en el segundo grupo. Su cine es lento, para paladares exigentes. No busca resultados inmediatos, sino que perduren en la memoria. Buena prueba de ello son sus excelentes films anteriores “Código desconocido” y la polémica “La pianista”.
“El tiempo del lobo” se basa en el Código Regio, un antiguo poema alemán que narra los momentos anteriores al Apocalipsis. Es una película realmente dura. Fue incontable el número de espectadores que abandonaron la sala antes de la mitad del metraje durante el pase del festival de Sitges (donde, por cierto, ganó con justicia el Premio de la Crítica y al mejor Guión).

Hay momentos apocalípticos, de gran fuerza visual, como el asesinato del padre de la familia protagonista o el niño desnudo ante la hoguera en un final absolutamente mágico.
El trabajo de los actores es excelente. Desde el magnífico niño debutante Lucas Biscombe a Isabelle Huppert, una de las mejores actrices no solo francesas, sino europeas (que ya trabajo con el realizador en “La Pianista”).
Michael Haneke busca hacer pensar al espectador. Intenta mostrar situaciones hiper-realistas, sin adornos. El propio Haneke afirma que con este film no quiso “caer en la exageración” para poder alcanzar la verosimilitud. No pretende un entretenimiento gratuito, sino que el espectador se esfuerce y el realismo le ponga un nudo en la garganta, como el Lars Von Trier más radical, y lo consigue.



Review por: Kurono

Ladykillers

Director: Joel & Ethan Cohen
Actores: Tom Hanks, Irma P. Hall, Marlon Wayans, J.K. Simmons, Tzi Ma, Ryan Hurst.
Año: 2004
Duración: 104 m.
País: USA
Género: Comedia

EL OCASO DE DOS HERMANOS.

Lo de los hermanos Cohen es muy grave. Después de una basura como “Crueldad Intolerable” parecía imposible que fueran a volvernos a defraudar, ya que hasta ahora dos películas malas seguidas de ellos hubiera sido algo impensable. Pero con “Ladykillers” han superado lo insuperable, mereciéndose a pulso el calificativo de película mediocre. Parece mentira que unos talentos capaces de crear grandes films como “Barton Fink”, “Muerte entre las flores”, “Fargo” o “El Gran Lebowski” ahora nos castiguen con torturas como esta.
“Ladykillers” demuestra claramente que los Cohen se han vendido, y que se han decantado por un cine más comercial, más preocupados por que en sus películas aparezcan actores conocidos (como George Clooney, Catherine Zeta Jones o Tom Hanks) que les aseguren la taquilla, que por elaborar guiones de calidad.
Debo reconocer que Tom Hanks no es santo de mi devoción, seguramente por que se ha pasado la vida haciendo películas bobas y desde hace unos años resulta que es el nuevo James Stewart y no nos habíamos dado cuenta (le dan los Oscars por estornudar). Y es que va tan “sobrado” que nisiquiera quiso ver “El Quinteto de la Muerte”, película de la cual “Ladykillers” es un remake.
Ni el personaje de Hanks (el jefe de una banda que engaña a una inocente viuda beata de la América profunda para desde su sótano acceder a un banco) ni los demás tienen ninguna gracia. Están muy estereotipados y son muy previsibles.
En fin, “Ladykillers” es una de esas películas que encontrarle alguna virtud sería muy difícil, y en este caso es muy indignante, teniendo en cuenta de quién viene.

Review por: Kurono

Big Fish

Director: Tim Burton
Actores: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Cudrup, Jessica Lange, Danny De Vito.
Año: 2004
Duración: 125 m.
País: USA
Genero: Comedia / Fantástica

CUÉNTAME UN CUENTO, TIM.

La nueva película de Tim Burton supone un nuevo paso atrás en la filmografía del realizador. Sin ser mala, no está a la altura de sus cimas creativas como “Ed Wood”, “Pesadilla antes de navidad”, “Sleepy Hollow” o incluso “Eduardo Manostijeras”. Más que un film de Burton, parece una mala película de los hermanos Cohen (otros grandes en un mal momento).
“Big Fish” no tiene chispa. Van pasando los minutos y la película no acaba de arrancar, provocando un ritmo bastante lento, pese a que tiene todos los elementos para que suceda todo lo contrario, sobre todo una galería de frikys (como el gigante o el dueño del circo interpretado por Danny De Vito) que resultan simpáticos, pero no acaban de convencer en cuanto a la sensación de hilaridad tan lograda en otras ocasiones.

“Big Fish” goza de un fácil visionado. Se deja ver, pero esto no es suficiente en una película de Tim Burton. El film es una fábula, un cuento acerca del modo de afrontar la vida: nada es verdad ni mentira, todo depende del cristal con que se mire. Quizás uno de sus puntos fuertes sea el final, diez emocionantes minutos que aunque resulten un poco previsibles, no por eso dejan de ser hermosos, y dan esa sensación de película redonda (en cuanto a estructura, no a calidad). Una pequeña decepción.


Review por: Kurono

Kill Bill Nº 1

Director: Quentin Tarantino
Actores: Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Michael Madsen, Daryl Hannah, David Carradine.
Año: 2004
Duración: 111 m.
País: USA

Genero: Acción

EXPLOSIÓN DE COLORES (Y DE EMOCIONES).

Kill Bill puede parecer a simple vista un film menos ambicioso y más caprichoso que los anteriores de Tarantino, pero nada más lejos de la realidad. Pese al toque gamberro y al escaso argumento, estamos ante una película medida al milímetro. Brutal estéticamente, derrocha genialidad en todos los aspectos: fotografía ejemplar, banda sonora abrumadora, frases lapidarias (aunque menos que en otras ocasiones), humor negro, planos para la historia… ¿Quién dijo que el cine de entretenimiento tiene que ser una basura obligatoriamente?
Tarantino homenajea diferentes géneros, como el cine de artes marciales o el western, haciendo gala de unos efectos especiales de lujo.
En el apartado estético, mención aparte merece el juego cromático usado: los amarillos (Black Mamba / La Novia), blancos (la preciosa lucha bajo la nieve) o el rojo (sangre hasta en los títulos de crédito) parecen salirse de la pantalla.
En el apartado artístico, todos los actores están a un gran nivel, destacando la musa Uma Thurman, que se come la pantalla. En este caso, a quién le ha tocado la lotería es a David Carradine, ya que es la vieja gloria que ha escogido en esta ocasión el director para resucitar de entre los muertos (antes lo fueron Travolta o Pam Grier).
El ritmo es mega-intenso, lo cual se potencia aún más gracias a la infinidad de recursos estilísticos que usa el genio: blanco y negro, flashbacks, voz en off, un anime (antológico) insertado en medio de la película, etc…
En resumen, una auténtica odisea de violencia, narrada en un tono humorístico y gamberro, llena de excesos y como diría el propio Tarantino “jodidamente divertida”. Pero que no te vengan con prejuicios, Kill Bill es mucho más que una película violenta, es un tratado de cine, una lección magistral de montaje, ritmo, dominio de los recursos, una suerte de antología del cine resumida en poco más de hora y media.
Valió la pena la espera. El Maestro ha vuelto.

Review por: Kurono

La Pasión de Cristo

Director: Mel Gibson
Actores: Jim Caviezel, Maia Morgenstern, Monica Bellucci
Año: 2004
Duración: 127 minutos
País: USA
Género: Histórica

GORE AUTOCOMPLACIENTE.

Mucho se ha hablado acerca de la polémica visión del sobrevalorado Mel Gibson sobre las últimas doce horas de la vida de Jesucristo. Se le ha acusado con toda justicia de antisemita, y es que el pueblo judío recibe un varapalo descomunal. Los judíos son reflejados como auténticos peleles, como los únicos culpables de la muerte de Jesús.
Gibson afirma ser totalmente riguroso en la interpretación del Nuevo Testamento, pero hay bastantes aspectos en los que este rigor es más que discutible, aunque no estoy aquí para hacer un análisis religioso, sino estrictamente cinematográfico.
Como esta rodada en latín y arameo (¿era necesario?) y además hay pocos diálogos, las miradas adquieren mucha importancia y se convierten en armas de poderosa belleza, que arropadas por una excelente fotografía consiguen que “La Pasión” sea un film visualmente logrado, con algunos planos muy hermosos.
Pero aquí acaban las escasas virtudes de la película, estropeadas por la auténtica orgía de sangre en la que se convierte por capricho del director, que hace especial hincapié en el ensañamiento de forma gratuita, lo cual añadido a un uso abusivo y facilón de la cámara lenta nos da secuencias tan insoportables como la de la flagelación (nueve minutos eternos). La película es ultra-violenta, dura, explícita y extremadamente sanguinaria.

Por no hablar del nefasto tratamiento que reciben los personajes. El único que se salva del desastre es Jim Caviezel (Jesucristo), que hace una actuación digna de elogio y que, sin duda, revalorizará su carrera. También hace un buen trabajo Maia Morgenstern en el papel de María. Pero el resto de los personajes están poco elaborados, apenas dicen dos frases cada uno (y no exagero). Gibson los convierten de secundarios en testimoniales, y desaprovecha el jugo que les podría sacar. Desde el patético demonio, pasando por Pedro o María Magdalena (interpretada por la omnipresente Monica Bellucci, aunque de hecho no hace absolutamente nada, solo estar ahí). Todos hacen una aparición insulsa e intrascendente. Mención especial merece el personaje de Poncio Pilatos, el cual se nos muestra como poco menos que un mártir.
Gibson cae torpemente en el error de estereotipar a los personajes hasta un punto casi ridiculizante: todos los romanos son rudos, maleducados, despiadados y crueles, y todos los judíos son manipulables, intransigentes e injustos. Errores de bulto, señor Gibson.


Review por: Kurono

Zatoichi

Director : Takeshi Kitano
Actores: “Beat” Takeshi, Tadanobu Asano
Año: 2003
Duración: 102 m.
Pais: Japón
Género: Acción / Comedia



TRAS LOS PASOS DE KUROSAWA.

Primera película de época del genial Takeshi Kitano, uno de los directores más interesantes del cine oriental contemporáneo. Ganadora del premio al mejor director en Venecia y de los premios a mejor película, banda sonora y público en Sitges. Zatoichi esta basada en la novela de Kan Shimozawa, que narra las aventuras de un personaje mitológico japonés, un masajista ciego, aficionado a los dados y que oculta una katana bajo su bastón.
El film es un claro homenaje al gran maestro del cine japonés Akira Kurosawa (la secuencia de la lluvia es un guiño a “Los Siete Samurais”). También destaca su parecido con el reciente film nipón “Gohatto”, similar en cuanto a estilo y prácticamente con el mismo reparto: “Beat” Takeshi (nombre de actor del propio Kitano) y Tadanobu Asano ejercen de secundarios de lujo), si bien “Gohatto” no alcanza la calidad del film de Kitano, mucho más elaborado en todos los aspectos.
“Zatoichi” nos devuelve al gran creador de inolvidables películas, como “Sonatine”, “Hana-Bi (Flores de Fuego)” y “El verano de Kikujiro”, después de sus dos últimas tentativas, en mi opinión, fallidas: “Brother” por intentar, sin conseguirlo, tasladar al cine americano conceptos propios del cine nipón, y “Dolls” que pese a tener aciertos parciales en lo estético, adolece de una preocupante falta de ritmo.
Como es habitual en toda su filmografía Zatoichi alterna escenas de gran belleza plástica con momentos de violencia extrema, que en este caso rozan el gore (las generosas dosis de sangre retocadas digitalmente son comparables a las de “Kill Bill vol. 1”).

El humor también hace su aparición en pequeñas dosis, con los divertidos personajes que acompañan a Zatoichi (de nuevo la influencia de Kurosawa se hace evidente, recordándonos por momentos a “Yojimbo” y “Los Siete Samurais”). La banda sonora es de lujo y su autor es de Keiichi Suzuki. El colaborador habitual encargado de la música de Kitano es Joe Hisaishi, pero en esta ocasión el director se decantó por Suzuki y el resultado fue óptimo.
La aparición al final del grupo de claqué japonés The Stripes cierra con broche de oro “Zatoichi”, si bien Kitano abusa de su presencia y empaña un poco dicho final, convirtiéndolo en algo efectista e innecesariamente largo.
De todos modos, “Zatoichi” es posiblemente la mejor película de Kitano, con permiso de “Hana-Bi”, y la más accesible al público occidental, divertida, plásticamente impecable, gamberra y a la vez delicada. Una obra maestra con mayúsculas.

Review por: Kurono

Lost in Translation

Director: Sofia Coppola
Actores: Bill Murray, Scarlett Johansson.
Año: 2003
Duración: 102 minutos
País: USA / Japón
Género: Comedia / Drama







JUST LIKE HONEY.

Recuerdo que cuando vi “El Padrino III” quedé horrorizado con la nefasta actuación de una chica, que resultó ser la hija del director, el gran Francis Ford Coppola. El olor a enchufe era evidente y papá Francis se equivocó.
¿Quién nos iba a decir que esa lamentable aprendiz de actriz sería la excelente directora de cine que es hoy? Su debut como realizadora, “Las vírgenes suicidas”, fue la sorpresa del año y ya apuntaba muy buenas maneras. Está claro que Sofia heredó el talento de su padre, y lo conjugó con el de su ex, Spike Jonce, (realizador de clips de Björk o Beastie Boys, y ahora de cine, con las destacables “Cómo ser Jonh Malkovich” y “Adaptation”). Pero con “Lost in Translation” llega la merecida consagración internacional y el éxito de crítica y ¿público?

“Lost in Translation” es, sin duda, la historia de amor del año. Ha ganado entre otros premios el Oscar al mejor guión y tres Globos de Oro.
Bill Murray (en el mejor papel de su irregular carrera) interpreta de forma genial a Bob Harris, un actor cincuentón en horas bajas que se encuentra en Tokio rodando un spot de una marca de whisky. Y la bellísima Scarlett Johansson (con films a sus espaldas como la injustamente olvidada “Ghost World” o “La joven de la perla”) encarna a Charlotte, una veinteañera en crisis sentimental que acompaña a su marido fotógrafo, pero que pasa los días sola en el hotel. El encuentro casual en el bar del hotel hará que se conozcan e inicien una amistad a la que se aferrarán ante la soledad por estar en un país extraño, que acabará transformándose en amor platónico.
Diálogos inteligentes, personajes creíbles (de carne y hueso, lejos de los ridículos estereotipos de Hollywood)… Todo al servicio de una película descaradamente anticomercial, honesta, sin trampas. Sofia Coppola logra encadenar una maraña de delicados planos en los que los auténticos protagonistas son las miradas y los silencios, que adquieren una importacia vital y evidencian la química existente entre estos dos grandes actores.
No solo la melancolía es protagonista en “Lost in Translation”, sino que el humor inteligente también tiene sus momentos, como la secuencia en que Bob anuncia el whisky y su interprete japonés traduce sus largas frases casi con monólogos (este gag lo sacó Sofia de una experiencia personal en Japón) o cuando Bob va al programa de televisión.
La magia surge en muchos momentos, pero seguramente uno de los más emocionantes es ese final abierto, que hace que una vez acabada la película sigamos dándole vueltas a la cabeza imaginando qué le habrá susurrado al oído Bob a Charlotte.
Por si fueran pocos los argumentos estilísticos e interpretativos, Sofia encomienda la banda sonora a Kevin Shields (ex de My Bloody Valentine) y a Brian Retzell (batería de Air), que escogen temas de sus propios grupos, así como de Death in Vegas o The Jesus and Mary Chain. Todo un lujazo.
En resumen, “Lost in Translation” es una auténtica obra maestra de nuestro tiempo que demuestra que todavía quedan realizadores con personalidad, capaces de sorprendernos gratamente.

Review Por: Kurono