Mueren Bergman y Antonioni

Ayer lunes 30 de julio fue seguramente el peor día en la historia del cine europeo.

El autor de obras maestras como "Blow Up", "La Noche" o "El Eclipse" falleció a los 94 años en su casa de Roma. El cineasta italiano fue considerado por muchos el "Poeta de la Cámara".

Horas antes moría el genial director sueco Ingmar Bergman, creador de "El séptimo Sello", "Persona" o "Fanny y Alexander", a los 89 años en su casa en la isla de Faro.

Woody Allen llega a Barcelona para rodar su nueva película

El cineasta Woody Allen llegó ayer a Barcelona para iniciar el rodaje de su nueva película, que tendrá lugar en la ciudad condal y también en Oviedo. Allen llegó acompañado de su mujer Soon Yi y sus dos hijas.

Los actores de la cinta serán Scarlett Johannson, Javier Bardem y Penélope Cruz.

Miembros de su equipo llevan semanas en Barcelona buscando localizaciones para la película.

Allen se ha declarado en varias ocasiones un enamorado de Barcelona, y hoy mismo ha visitado ya una de las localizaciones que con toda probabilidad aparecerán en la cinta: la Sagrada Familia. También está confirmado que aparecerán localizaciones como el Paseo de Gracia, la Casa Batlló o la Rambla de Catalunya.

En los próximos días se irán desvelando más detalles sobre la película, la cual aún no tiene título, y cuyo argumento se sabe que girará en torno a las vacaciones de una turista norteamericana pegada a una cámara de fotos (Scarlett Johannson).

MEJORES PELÍCULAS 2006

1. PEQUEÑA MISS SUNSHINE

2. VOLVER

3. CACHÉ

4. SCOOP

5. LA FELICIDAD DE LOS KATAKURI

Pequeña Miss Sunshine

Dirección: Jonathan Dayton y Valerie Faris
Interpretación: Greg Kinnear, Toni Collette, Steve Carell, Paul Dano, Abigail Breslin, Alan Arkin
País: USA
Año: 2006
Duración: 101 min.
Género: Comedia dramática

PEQUEÑAS COSAS BIEN DISPUESTAS.

Pequeña Gran película sobre personas de carne y hueso, mezcla de géneros (comedia, drama, road movie), que basa su triunfo en la sencillez y consigue que salgas del cine con una sonrisa en tu cara, y te lleves un pedazo de cada uno de los personajes grabado en un rinconcito de tu cabeza.
Todos y cada uno de ellos son entrañables por diferentes motivos, pero por uno en común, su cercanía. Como fracasados que son, todos podrían formar parte de cualquiera de nuestras familias, de nuestro mismo entorno, y eso hace que acabemos queriéndolos sin remisión.
Las situaciones en las que se ve envuelta la familia Hoover son hilarantes, y están contadas en un tono desenfadado, apoyado por unos diálogos brutales (algunas frases del abuelo son impagables).
El viaje de una familia de perdedores por media América por el sueño de una niña de presentarse a un concurso de belleza será a la vez una desternillante comedia y una mordaz crítica al podrido y superficial sistema de valores americano.
“Pequeña Miss Sunshine” no es una obra maestra, pero es divertida, es vital y es, en definitiva, deliciosa. Sin duda, uno de los highlights del año.

Review por: Kurono

United 93

Dirección y guión: Paul Greengrass
Interpretación: Becky London, Cheyenne Jackson, Chip Zien, Chloe Sirene, Christian Clemenson
Países: USA, Francia y Reino Unido
Año: 2006
Duración: 91 min.
Género: Drama








CÓMO ABURRIR Y EMOCIONAR A PARTES IGUALES.


Una vez planteada la duda de si se hacen estas películas por que son temas candentes y de actualidad o si se hacen aprovechando el tirón para sacar tajada (seguramente siempre hay de ambas cosas), me dispongo a ver “United 93” con pocas esperanzas (“gracias” a los precedentes).
Paul Greengrass empieza por tomar una decisión muy acertada: escoger a actores desconocidos, lo cual es un gran acierto cuando se trata de contarnos una historia basada en hechos reales, y más una tragedia de tal envergadura.
El resultado es un film realmente verosímil, narrado en un tono sobrio, alejado de tópicos y patriotismos baratos tan manidos en el cine americano del género.
El gran problema de “United 93” es su ritmo, demasiado lento (el film tarda mucho en arrancar), y el exceso de escenas en la cabina de mandos del aeropuerto, las cuales caen con facilidad en el tedio, en contraposición con las efectivas escenas del avión (y preámbulos), rodadas con mucho acierto y tensión. Los actores colaboran y mucho en esta tensión, con un trabajo impecable, como por ejemplo los terroristas, con unas actuaciones en su justa medida.
El film va in crecendo, ganando interés y fuerza dramática con el metraje, conforme se acerca el terrible final, el cual logra unas cuotas de realismo, emoción e intensidad brutal, como pocos en la última década. Lástima que el resto de la película no esté a la misma altura.


Review por: Kurono

Clerks 2

Dirección y guión: Kevin Smith
Interpretación: Brian O'Halloran, Jeff Anderson, Rosario Dawson, Jason Mewes, Trevor Ferhman, Jennifer Schwalback, Kevin Smith, Jason Lee

País: USA

Año: 2006

Duración: 97 min.

Género: Comedia

¿ REGRESO A LOS ORÍGENES ?

Qué lejos quedan aquellos días en los que flipamos con el sorpresón que supuso “Clerks”. Kevin Smith se descubrió como la nueva esperanza del cine indie americano, como una especie de Tarantino pero en clave de humor. Diálogos frescos, punzantes e irreverentes. Personajes divertidos y carismáticos. Todo apuntaba a muchas futuras alegrías.
Doce años después llega esta secuela, que poco tiene que ver con aquella perla en blanco y negro. Smith ha perdido la frescura, su subida a los a los altares del cine americano le ha ablandado y, lo que es peor, ha sobre-explotado las virtudes que tenía hasta convertirlas casi en defectos.
Kevin Smith se ha hecho mayor y no le ha sentado bien. No encuentra la manera de reinventarse, y a estas alturas, debería saber ya que esas historias románticas que se empecina meter con calzador no tienen lugar dentro de sus proyectos gamberros, o como mínimo que no los sabe filmar (mejor no recordemos la mega-mierda que fue “Jersey Girl”).
En el fondo, “Clerks 2” es bastante divertida, fácil de ver y tiene sus momentos (como la divertida discusión Star Wars vs. El Señor de los Anillos), y tras sus últimos fiascos (“Dogma”, “Jay y Bob el silencioso contraatacan” o la ya comentada “Jersey Girl”) supone una recuperación de Smith, que esperamos no se quede aquí.


Review por: Kurono

La Felicidad de los Katakuris

Dirección: Takashi Miike
Interpretación: Kenji Sawada, Keiko Matsuzaka, Shinji Takeda, Naomi Nishida
País: Japón
Año: 2001 (estrenada en España en 2006)
Duración: 113 min.
Género: Musical friki



MIIKE, ¿ POR QUÉ ERES TAN FRIKI ?


Nueva frikada de Miike, para el visionado de la cual hay que estar mentalmente preparado, incluso aunque se hayan visto previamente otras de sus películas.
“La Felicidad de los Katakuri” es una original comedia-friki-musical sobre una familia que decide montar un pequeño hotel, cerca del cual debe pasar una carretera que les traerá montones de turistas, pero la cual nunca llega. Al llegar el primer turista la familia ve un rayo de luz, pero su suicidio en el hotel hará que se vean obligados a enterrar su cuerpo para no ganarse una mala reputación. A partir de ahí, se desencadenarán los sucesos más surrealistas.
El film incluye escenas super frikis como la inicial (hecha con muñecos de plastelina) y gags musicales muy divertidos (especial atención al de dicho suicidio), de los cuales bebe directamente otra frikada como es “El Sabor de la Sandía”.
Hay que entender la película como lo que es, un experimento, con deliveradas sobre-actuaciones, situaciones hilarantes que desbordan un humor negro que solo puede aportar un director japonés transgesor sin prejuicios como es Miike.
“La Felicidad de los Katakuri” es la antítesis de la crudísima “Visitor Q” (ojo con la crueldad y dureza de este film, recomendable al cien por cien si se tiene el estómago suficiente). Mientras la primera es una visión optimista y alegre de una familia unida pese a las adversidades, la segunda es todo lo contrario: apocalíptica y aberrante representación de una familia rota y desestructurada.
Pese a momentos brillantes, hay que reconocer que el excesivo metraje (casi dos horas) y el ritmo lento de algunos momentos hacen perder intensidad al film, el cual tiene demasiados altibajos (realmente altos y realmente bajos). Una montaña rusa, en todos los sentidos…


Review por: Kurono

Volver

Dirección y guión: Pedro Almodóvar
Interpretación: Penélope Cruz, Carmen Maura, Lola Dueñas, Blanca Portillo, Yohana Cobo, Chus Lampreave
País: España
Año: 2006
Duración: 110 min.
Género: Comedia dramática

VOLVER ... A SER DESPRECIADO.

Pese a que se ha ganado un poco a pulso algunas críticas en que se le achaca el hecho de que “siempre hace lo mismo”, lo que no se puede negar es que, lo mismo o no lo mismo, lo hace de puta madre. Pero no, ahora resulta que el nuevo “genio” del cine español es Amenábar y que hay una corriente anti-Almodóvar vete tú a saber por qué. Bueno, en realidad es fácil saberlo: por lo mismo que la gente va al cine a ver “Spiderman 7” y no cine de autor.
Pues yo aplaudo una vez más a Almodóvar, qué cojones. Tras el paso atrás que resultó “La Mala Educación”, el genio manchego vuelve por sus fueros con otra película coral de mujeres, y qué mujeres… Espectaculares todas, desde la recuperada Carmen Maura a la impresionante Blanca Portillo. Pero ojo con la Pe. Capaz de hacer las mierdas más monumentales en Hollywood, hay que reconocerle que está inmensa en el papel de la Raimunda. Al más puro estilo Anna Magnani, lo borda en un papel hecho a su medida.
El cineasta nos vuelve a regalar planos de antología, un humor inimitable y unas situaciones tan cercanas que molesta reconocerlo.
Sólo un pero, el demencial play-back que hace la Cruz del tema “Volver”. Forzado, hubiera quedado mucho más natural, o mejor dicho, natural si hubiera cantado ella mismo. Imperdonable. Y es que Estrella Morente solo hay una.


Review por: Kurono

Hard Candy

Dirección: David Slade
Interpretación: Patrick Wilson, Ellen Page
País: USA
Año: 2006
Duración: 103 min.
Género: Thriller psicológico



SÍ, PERO NO.



Ganadora por sorpresa del mejor film en Sitges, este auténtico tour de force es el típico ejemplo de que con pocos medios pero con las ideas muy claras se pueden lograr buenos resultados.
Narrada con un gran sentido del ritmo, mucha intensidad y una cámara que casi se mete dentro de los personajes, “Hard Candy” es una de las sorpresas de la temporada. No es fácil mantener el interés del espectador con solo dos actores y una casa, y justo es reconocéselo al debutante David Slade. Los dos actores están espléndidos, pero especialmente Ellen Page, en el papel de caperucita justiciera.


De todos modos, es innegable que, en algunas ocasiones, los actores tienen reacciones poco verosímiles, y que la película va de más a menos, y que de un principio realmente prometedor, pese a las grandes interpretaciones y al intenso ritmo que impone Slade (es palpable que había hecho videoclips antes), se pasa a una segunda parte más, digamos, correcta, que nos deja un sabor en la boca de está-bien-pero-podía-haber-sido-la-bomba. Lástima.


Review por: Kurono

Hostel

Dirección y guión: Eli Roth
Interpretación: Jay Hernandez (Paxton), Derek Richardson (Josh)
País: USA
Año: 2006
Duración: 95 min.
Género: Terror




HOSTAL ROYAL MANZANARES.



No es noticia que Quentin Tarantino es un cineasta genial, con un don innato para hacer cine con Mayúsculas. Pero tampoco lo es que como productor no da ni una. Tras otros fiascos producidos por el director, llega este engendro, americanada, cutrada y todos los adjetivos que le quieran poner.
Hostel es la típica película que cuando se estrena corre de boca en boca por las presuntas escenas de gore, teóricamente cruentas e hiper realistas, que finalmente resultan ser escenas casposas, en la línea del cine de "terror" norteamericano actual: un par de tetillas por aquí, un chiste facilón por allí...



Si bien el argumento y punto de partida podría tener su gracia, en cuanto empiezan a hablar los personajes se empieza a intuir el bodrio que estamos a punto de comernos. Los interpretaciones son escandalosamente malas, la imagen que se da de Eslovaquia es indignante y las escenas "gore" dan risa de lo ridículas y "light" que son. Mucho ruido y pocas nueces.

En resumen, una mierda mayúscula.






Review por: Kurono

MEJORES PELÍCULAS 2005

1. MATCH POINT

2. OLD BOY

3. ELECTION

4. UNA HISTORIA DE VIOLENCIA

5. SIN CITY

Match Point

Dirección y guión: Woody Allen

Interpretación: Jonathan Rhys Meyers, Matthew Goode, Emily Mortimer, Scarlett Johansson
País: Reino Unido

Año: 2005

Duración: 123 min.

Género: Drama.

JUEGO, SET Y PARTIDO.

Debo reconocer que había perdido casi definitivamente la esperanza de volver a ver un Woody Allen en estado de gracia, tras los fiascos de los últimos años (“Granujas de Medio Pelo”, “Todo lo Demás) o “Celebrity” por poner algún ejemplo), pero Match Point supone la reconciliación con el mejor Allen, para disfrute de todos los amantes del buen cine.
De todos modos, no deja de ser también la confirmación de que Allen quizás haya perdido frescura para las comedias, pero sigue manteniendo el pulso a los dramas, pese a que siempre se ha sentido más cómodo con las primeras.

Match Point es una película redonda de principio a fin. No solo por su estructura, sino por su perfección. Actuaciones memorables como la del debutante Jonathan Rhys Meyers, Emily Mortimer o la espectacular Scarlett Johannson, que sigue su particular camino a la inmortalidad (no sólo tiene todas las características de las grandes divas del cine, sino que está empezando a elegir grandes papeles). Woody se ha rodeado de un elenco de actores británicos desconocidos para el gran público, pero que cumplen con creces.
La película está llena de frases para el recuerdo, y miradas igual de poderosas. Pero lo que más destaca es un cierto sabor al retorno de muchos de los temas clásicos en su cine, que parecía había olvidado, como el sentimiento de culpa, la infidelidad o la muerte, que nos recuerdan por momentos a otras obras cumbre del neoyorkino (“Delitos y faltas”, “Otra Mujer”) y de otros clásicos com Bergman (“Secretos de un Matrimonio”) o Hitchcock (“Crimen Perfecto”).
El final, con la metáfora de la bola de tenis representando que la suerte es lo que acaba por decantar la vida de las personas (por encima del talento o el esfuerzo), es el broche de oro a dos horas de lección magistral de cómo hacer Cine.

Bienvenido de nuevo, añorado Woody.


Review por: Kurono

Old Boy

Dirección: Park Chan-wook

Interpretación: Choi Min-sik (Oh Dae-su), Woo Ji-tae (Lee Woo-jin)
País: Corea del Sur

Año: 2005

Duración: 120 min.

Género: Thriller

CARNE DE REMAKE.

Ganadora con todo merecimiento en los festivales de Cannes (Premio del Jurado) y Sitges (Mejor Película), llega la obra cumbre de Park Chan-wook. Tras la crudísima “Sympathy for Mr. Vengeance” el coreano nos regala un tour de force igual de crudo que su precedente, pero salpicado por constantes chispas de humor negro y con un ritmo e intensidad ejemplares, dignos del propio Tarantino (muchos son los puntos en común con Kill Bill). Y es que el cine coreano está claramente al alza, con nombres como Park Chan-wook o Kim Ki-Duk.
Estéticamente, reúne todas las virtudes del cine de Hollywood, con una fotografía impecable, un montaje magistral, una banda sonora muy acertada y constantes giros que harán que nos sintamos inmersos en la odisea de su carismático protagonista, Oh Dae-su.

Apuesto un brazo a que dentro de un tiempo veremos un remake mierdoso americano, protagonizado por Nicolas Cage o John Travolta.
Park Chan-wook nos regala algunas escenas de las que permanecerán por mucho tiempo en la memoria, dos horas del mejor video-clip posible.
Old Boy es emocionante, Old Boy es cruda, Old Boy es intensa, Old Boy es hermosa,

Old Boy es B R U T A L.



Review por: Kurono

Million Dollar Baby

Dirección: Clint Eastwood
Interpretación: Clint Eastwood, Hilary Swank, Morgan Freeman
País: USA
Año: 2005
Duración: 137 min.
Género: Drama

AND THE OSCAR GOES TO ...

En una sociedad agilipollada por lo que toca ir a ver, lo que toca ser y lo que toca escuchar, en estos tiempos toca admirar los films de directores como Clint Eastwood. Cuando Hollywood se deja millonadas en promocionar sus bazofias y cuando reina el borreguismo, las “películas” prefabricadas para ganar Oscars tienen el éxito asegurado. En otras palabras, estamos ante otro ejemplo de un sobrevalorado film de un sobrevalorado director.
No digo que Million Dollar Baby no sea una buena película, que lo es. Pero seamos honestos y reconozcamos que no hay para tanto. Hay una corriente generalizada en los últimos años de mitificar películas correctas en lo formal, en las cuales veo a Clint Eastwood el máximo representante: desde “Los Puentes de Madison” hasta la más reciente “Mystic River” (la cual basaba su mayor éxito en un grandísima labor interpretativa). Precisamente la película más atrevida y valiente de Eastwood, “Medianoche en el jardín del bien y del mal” es la que más desapercibida ha pasado. Y es que ya se sabe, “yo ya llevo todo el día trabando como para entrar en un cine y ponerme a pensar…”.
Centrándonos en MDB, hay que reconocer que goza de una sobriedad narrativa fuera de toda discusión (la mayor de las virtudes del Eastwood director, el cual domina los tiempos con maestría). Los actores están sencillamente brillantes (incluida la también sobrevalorada Hilary Swank, la cual también está de moda). Eastwood también raya a un buen nivel, con una actuación muy comedida. Y Morgan Freeman excelente, como siempre.
Quizás el final roza un poco lo sensiblero, pero en líneas generales MDB es un film de la alta escuela americana reciente. Lástima de ese olor (o mejor dicho “tufo”) insoportable que desprende a Oscar...


Review por: Kurono

Llamada Perdida

Dirección: Takashi Miike

Interpretación: Kou Shibasaki (Yumi Nakamura), Shinichi Tsutsumi (Hiroshi Yamashita).

Año: 2005
Duración: 112 min.

País: Japón

Género: Terror

IDENTIDAD PERDIDA.

Esperadísima primera incursión del polifacético Takashi Miike en el cine de terror psicológico, tan manido últimamente, que decepciona bastante. No por su calidad, que está, cuando menos, en la media en lo que respecta a las últimas cintas de este género y no tiene nada que envidiar a otros films similares como “La Maldición”, “The Eye”, “Dark Water” o “The Ring”, sino por lo que siempre se espera del genial Miike. Pese a todo, hay que reconocer que tiene sus momentos de acierto, como el del programa de televisión o el del hospital, en los cuales consigue momentos de tensión bastante notables.
One Missed Call cumple perfectamente con su cometido: mantiene al espectador en tensión durante buena parte del metraje, y se podría catalogar como correcta, pero peca de convencional y poco arriesgada, ya que estamos hablando del autor de bombas de relojería como “Ichi the Killer”, “Visitor Q”, “Audition” o “Gozu”, las cuales ha hecho famoso a Miike por todo lo contrario: no respetar absolutamente ningún tabú, incomodar al espectador hasta llegar a lo desagradable…
De todos modos, Llamada perdida tiene todos los ingredientes para ser carne de remake hollywoodiense, y si no, al tiempo…
En resumen, película menor dentro del catálogo de Miike, que no pasará precisamente a la historia, pero con la que aprovecho para reivindicar a este gran director y recomendar a los profanos que se adentren en su mundo y flipen con sus pelis de yakuzas, que no dejarán indiferente a nadie.

Review por: Kurono

MEJORES PELÍCULAS 2004

1. LOST IN TRANSLATION
2. ZATOICHI
3. KILL BILL No. 1
4. 2046
5. EL TIEMPO DEL LOBO

Primavera, verano, otoño, invierno… y otra vez primavera

Director: Kim Ki-Duk
Actores: Oh Young-Su, Kim Young-Min, Seo Jae-Kiung, Ha Yeo-Jin, Kim Ki-Duk
Año: 2004
Duración: 103 m.
País: Corea del Sur / Alemania
Género: Drama



ENTRE LA POESÍA Y LA TORPEZA.

Kim Ki-duk se ha convertido en el director coreano actual más respetado desde su polémica “La Isla”. A punto de llegarnos las esperadas “Samaritan Girl” y “Hierro 3” ya podemos ver “Primavera, Verano, …”, un cuento que narra la relación de un monje budista y su discípulo.
Estructurado en capítulos relacionados con las estaciones del año, pero basado además en las diferentes etapas de la vida del discípulo, empezando de niño hasta llegar a ser el nuevo maestro (interpretado por el propio Ki-duk).
El film es, por tanto, una metáfora sobre el aprendizaje de la vida. Desde el descubrimiento del amor (y el sexo), el odio, la lealtad, hasta la la madurez.
Belleza en el plano emocional, pero más aún en el estético. Con unos encuadres majestuosos y una fotografía espectacular. Todo ello con momentos para el humor y sobre todo la emoción, pero contado con ese ritmo reposado propio del cine asiático.

Pero no es oro todo lo que reluce, ya que pese a todas estas virtudes (que no son pocas) hay que poner un pero, y es que el director nos lo da demasiado masticado. Las situaciones son harto explícitas (no hace falta que cada vez que sucede alfo fuera del templo tengamos que tragarnos la ida y vuelta de la barca). Narrativamente el film está demasiado encorsetado, y las diversas moralejas del film se muestran de manera extremadamente evidente. Es como si el cuento fuera para niños y no para adultos.
De todos modos solo por la belleza visual y metafórica “Primavera, Verano, …” vale la pena. Si bien es una lástima, por que Ki-duk desaprovecha la oportunidad de concebir una obra maestra por su torpeza al narrar la historia.



Review por: Kurono

Dos Hermanas (A Tale of Two Sisters)

Director: Ji-woon Kim
Actores: Kap-su Kim, Jung-ah Yum, Su-jeong Lim, Geun-yeong-Mun
Año: 2004
Duración: 115 m.
País: Korea del Sur
Género: Terror




DEMASIADA AMBIGUEDAD.

Algo está pasando con el cine coreano en los últimos años que hace que su presencia en los festivales de todo el mundo sea casi ineludible. Y es algo muy evidente: su calidad. A interesantes títulos como la impactante “Old Boy” (que pronto llegará a nuestras salas), o los últimos films de Kim Ki-duk (“La Isla” “Primavera, Verano…”) hay que añadir un nuevo título: “A Tale of Two Sisters”.
Kim Jee-Woon se estrena con esta cinta de terror psicológico que bebe directamente de otros films asiáticos del género: “The Ring”, “The Grudge”, “The Eye” o “Dark Water”. “Dos hermanas” no llega al nivel de estas, pero tiene algunas cositas.
Empecemos con sus virtudes. Destaca una excelente fotografía (basada casi únicamente en interiores). El realizador juega con los colores (las paredes verdes, el intenso rojo de los labios de la madrastra, la oscuridad de la casa…) para conseguir una ambientación muy lograda que ayudará a mantener en tensión al espectador.
Tanto las dos hijas como la madrastra interpretan su papel de una forma más que correcta. Otra cosa es el padre, más inexpresivo que Charlton Heston, que es incapaz de mostrar una cara verosímil en toda la película.


Como puntos negativos, destacan dos errores bastante graves a mi entender. El primero es un ritmo demasiado lento para ser un film de terror. Tarda demasiado en arrancar.
El segundo es su excesiva ambigüedad. Pese que al final se van descubriendo cosas con flash backs y una especie de epílogo, da la sensación de que el director no ha sabido como acabar el film, y que en su afán de querer darle un toque lynchiano se ha metido en un jardín del que ha salido como ha podido.
Además, ha querido mezclar dos “focos del mal” que no pegan entre sí: o la mala es la madrastra o es la casa encantada, pero ambas son ganas de liarla. Ya se sabe que quien mucho abarca…



Review por: Kurono

PRÓXIMAMENTE

PRÓXIMAMENTE

Mar Adentro

Director: Alejandro Amenábar
Actores: Javier Bardem, Belén Rueda, Lola Dueñas, Mavel Ribera
Año: 2004
Duración: 125 m.
País: España
Género: Drama lagrimero

SI NO SABES, ¿ PA QUÉ TE METES ?

Cuarta película de Amenábar, que lo consolida aún más tanto nacional como internacionalmente, y que con los dos premios cosechados en Venecia toma impulso en la carrera por los Oscars.
En el apartado artístico, cabe destacar la excelente elección de actores. Todos y cada uno de ellos están impecables, especialmente los familiares de Ramón Sanpedro (el hermano y la cuñada lo bordan).
Mención aparte merece Javier Bardem. Actuación galáctica (otra más) del mejor actor español con diferencia (a años luz de algún otro que anda haciendo bodrios por Hollywood). Hace unos años parecía que podría quedar encasillado en papeles de macho ibérico, pero tras “Antes que anochezca” y ahora “Mar adentro” demuestra que es un todo terreno, un monstruo que puede con el papel que quiera. Además, su caracterización en Mar adentro es de sobresaliente. Tanto el parecido físico como la forma de hablar o gesticular hace que creamos que estamos viendo al propio Sampedro. Chapó.
Pero todo se estropea (o casi) con un uso de la banda sonora muy desafortunado (por no decir deleznable), abusando de la música celta para tocar la fibra, o de unas secuencias de vuelos imaginarios de Sampedro muy “a la americana”. Especialmente grave es lo primero, ya que si no fuera por el mal uso de la música estaríamos ante un resultado superior, pero estamos hablando de Amenábar, no de Tabernier, así que tampoco le pidamos peras al olmo.
En resumen, Mar adentro es una película políticamente correcta en lo formal: drama lagrimero con momentos para la risa, sazonado por una banda sonora empalagosa, lo cual no quita que el resultado final sea correcto. Actuaciones muy destacables, momentos divertidos (como la visita del cura tetrapléjico) y otros emocionantes.

Review por: Kurono

El Tiempo del Lobo

Director: Michael Haneke
Actores: Isabelle Huppert, Béatrice Dalle, Patrice Chéreau, Rona Hartner, Maurice Bénichou.
Año: 2004
Duración: 110 m.
País: Francia
Género: Drama

EL TIEMPO DE HANEKE.

Michael Haneke es uno de esos directores que no deja indiferente a nadie, de esos que se odian o se aman. Yo me incluyo en el segundo grupo. Su cine es lento, para paladares exigentes. No busca resultados inmediatos, sino que perduren en la memoria. Buena prueba de ello son sus excelentes films anteriores “Código desconocido” y la polémica “La pianista”.
“El tiempo del lobo” se basa en el Código Regio, un antiguo poema alemán que narra los momentos anteriores al Apocalipsis. Es una película realmente dura. Fue incontable el número de espectadores que abandonaron la sala antes de la mitad del metraje durante el pase del festival de Sitges (donde, por cierto, ganó con justicia el Premio de la Crítica y al mejor Guión).

Hay momentos apocalípticos, de gran fuerza visual, como el asesinato del padre de la familia protagonista o el niño desnudo ante la hoguera en un final absolutamente mágico.
El trabajo de los actores es excelente. Desde el magnífico niño debutante Lucas Biscombe a Isabelle Huppert, una de las mejores actrices no solo francesas, sino europeas (que ya trabajo con el realizador en “La Pianista”).
Michael Haneke busca hacer pensar al espectador. Intenta mostrar situaciones hiper-realistas, sin adornos. El propio Haneke afirma que con este film no quiso “caer en la exageración” para poder alcanzar la verosimilitud. No pretende un entretenimiento gratuito, sino que el espectador se esfuerce y el realismo le ponga un nudo en la garganta, como el Lars Von Trier más radical, y lo consigue.



Review por: Kurono

Ladykillers

Director: Joel & Ethan Cohen
Actores: Tom Hanks, Irma P. Hall, Marlon Wayans, J.K. Simmons, Tzi Ma, Ryan Hurst.
Año: 2004
Duración: 104 m.
País: USA
Género: Comedia

EL OCASO DE DOS HERMANOS.

Lo de los hermanos Cohen es muy grave. Después de una basura como “Crueldad Intolerable” parecía imposible que fueran a volvernos a defraudar, ya que hasta ahora dos películas malas seguidas de ellos hubiera sido algo impensable. Pero con “Ladykillers” han superado lo insuperable, mereciéndose a pulso el calificativo de película mediocre. Parece mentira que unos talentos capaces de crear grandes films como “Barton Fink”, “Muerte entre las flores”, “Fargo” o “El Gran Lebowski” ahora nos castiguen con torturas como esta.
“Ladykillers” demuestra claramente que los Cohen se han vendido, y que se han decantado por un cine más comercial, más preocupados por que en sus películas aparezcan actores conocidos (como George Clooney, Catherine Zeta Jones o Tom Hanks) que les aseguren la taquilla, que por elaborar guiones de calidad.
Debo reconocer que Tom Hanks no es santo de mi devoción, seguramente por que se ha pasado la vida haciendo películas bobas y desde hace unos años resulta que es el nuevo James Stewart y no nos habíamos dado cuenta (le dan los Oscars por estornudar). Y es que va tan “sobrado” que nisiquiera quiso ver “El Quinteto de la Muerte”, película de la cual “Ladykillers” es un remake.
Ni el personaje de Hanks (el jefe de una banda que engaña a una inocente viuda beata de la América profunda para desde su sótano acceder a un banco) ni los demás tienen ninguna gracia. Están muy estereotipados y son muy previsibles.
En fin, “Ladykillers” es una de esas películas que encontrarle alguna virtud sería muy difícil, y en este caso es muy indignante, teniendo en cuenta de quién viene.

Review por: Kurono

Big Fish

Director: Tim Burton
Actores: Ewan McGregor, Albert Finney, Billy Cudrup, Jessica Lange, Danny De Vito.
Año: 2004
Duración: 125 m.
País: USA
Genero: Comedia / Fantástica

CUÉNTAME UN CUENTO, TIM.

La nueva película de Tim Burton supone un nuevo paso atrás en la filmografía del realizador. Sin ser mala, no está a la altura de sus cimas creativas como “Ed Wood”, “Pesadilla antes de navidad”, “Sleepy Hollow” o incluso “Eduardo Manostijeras”. Más que un film de Burton, parece una mala película de los hermanos Cohen (otros grandes en un mal momento).
“Big Fish” no tiene chispa. Van pasando los minutos y la película no acaba de arrancar, provocando un ritmo bastante lento, pese a que tiene todos los elementos para que suceda todo lo contrario, sobre todo una galería de frikys (como el gigante o el dueño del circo interpretado por Danny De Vito) que resultan simpáticos, pero no acaban de convencer en cuanto a la sensación de hilaridad tan lograda en otras ocasiones.

“Big Fish” goza de un fácil visionado. Se deja ver, pero esto no es suficiente en una película de Tim Burton. El film es una fábula, un cuento acerca del modo de afrontar la vida: nada es verdad ni mentira, todo depende del cristal con que se mire. Quizás uno de sus puntos fuertes sea el final, diez emocionantes minutos que aunque resulten un poco previsibles, no por eso dejan de ser hermosos, y dan esa sensación de película redonda (en cuanto a estructura, no a calidad). Una pequeña decepción.


Review por: Kurono

Kill Bill Nº 1

Director: Quentin Tarantino
Actores: Uma Thurman, Lucy Liu, Vivica A. Fox, Michael Madsen, Daryl Hannah, David Carradine.
Año: 2004
Duración: 111 m.
País: USA

Genero: Acción

EXPLOSIÓN DE COLORES (Y DE EMOCIONES).

Kill Bill puede parecer a simple vista un film menos ambicioso y más caprichoso que los anteriores de Tarantino, pero nada más lejos de la realidad. Pese al toque gamberro y al escaso argumento, estamos ante una película medida al milímetro. Brutal estéticamente, derrocha genialidad en todos los aspectos: fotografía ejemplar, banda sonora abrumadora, frases lapidarias (aunque menos que en otras ocasiones), humor negro, planos para la historia… ¿Quién dijo que el cine de entretenimiento tiene que ser una basura obligatoriamente?
Tarantino homenajea diferentes géneros, como el cine de artes marciales o el western, haciendo gala de unos efectos especiales de lujo.
En el apartado estético, mención aparte merece el juego cromático usado: los amarillos (Black Mamba / La Novia), blancos (la preciosa lucha bajo la nieve) o el rojo (sangre hasta en los títulos de crédito) parecen salirse de la pantalla.
En el apartado artístico, todos los actores están a un gran nivel, destacando la musa Uma Thurman, que se come la pantalla. En este caso, a quién le ha tocado la lotería es a David Carradine, ya que es la vieja gloria que ha escogido en esta ocasión el director para resucitar de entre los muertos (antes lo fueron Travolta o Pam Grier).
El ritmo es mega-intenso, lo cual se potencia aún más gracias a la infinidad de recursos estilísticos que usa el genio: blanco y negro, flashbacks, voz en off, un anime (antológico) insertado en medio de la película, etc…
En resumen, una auténtica odisea de violencia, narrada en un tono humorístico y gamberro, llena de excesos y como diría el propio Tarantino “jodidamente divertida”. Pero que no te vengan con prejuicios, Kill Bill es mucho más que una película violenta, es un tratado de cine, una lección magistral de montaje, ritmo, dominio de los recursos, una suerte de antología del cine resumida en poco más de hora y media.
Valió la pena la espera. El Maestro ha vuelto.

Review por: Kurono